Whispering Pages & Interrogation Hearts 🔮
more about the guests and their contributions

Clara Pacotte was born in 1992. She lives and works between Paris and Brittany. She is an author, video artist and researcher. Her writing focuses on questions of archive and marginality through the medium of science fiction. She has developed several universes of interconnected fictions that also take the form of games, films, video performances and readings (MNRWX, La Parking étage 63, Vnouje, Les Aventures de Maboule). These fictions have been presented at CAC Brétigny, Lafayette Anticipations, FRAC Île-de-France and Mécènes du Sud, among others. With her collective EAAPES, within The Cheapest University, she has been exploring feminist issues in science fiction literature since 2017 through the translation and publication of bodies of research. In 2024, part of her work was published by Cambourakis in the book L’exoplanète féministe by Joanna Russ. With the magazine Des Glaneuses, she is also developing research into the place of women in agriculture and rural life (gleaning, food, communities) with Lou-Maria Le Brusq. Between archives, fiction and rhizomic research, Clara talks about the future, lesbians and memory.

Sherida Kuffour (Rotterdam, 1992) is an art director, graphic designer and writer based in Zürich. She runs the speculative journal Brave New Lit., a digital platform that publishes essays and interviews on the relationship between literary paratexts and science fiction, horror and dystopian genres. The project was awarded Vormgeving and Talentontwikkeling prize by Stimuleringsfonds and nominated for the Swiss Design awards in 2022. In Summer 2024, Brave New Lit. will publish its first science fiction publication book under its new imprint; Fantastic and Imaginative Romances. Sherida holds an MA in Design for Visual Strategies from The Sandberg Instituut and a BA (with Hons) in Graphic Design from Ravensbourne University. Brave New Lit: IG @bravenewlit Sherida Kuffour IG @sheridakuffour

emancipatory science fiction reading group with artist & writer Clara Pacotte & graphic designer Sherida Kuffour

Estelle Ndjop Pom was born in Paris in 1995 to parents from Cameroon and French Guiana. She is a freelance graphic designer based in Montreuil. Europe-Caribbean-Africa-Europe, this journey across the Atlantic is a trajectory that both incurs and liberates her. Thanks to the networks, the Internet and Black Twitter, she can more easily articulate questions of race, gender and class. From one day to the next, she resolutely turned towards emancipation struggles, immersing herself in the content of French Afrofeminists and then discovering the wider history of anti-racist and feminist struggles that had accompanied her during her graphic design training. From visual identity to publishing, she now works with private organizations, cultural associations and dissident individuals. In parallel with her commissions, she flits from group to group, because collective organization makes her want to. Since 2022, she has been doing graphic design and co-organizing the Ẅ XOOL [wou] [rol] festival, which programs short films by Afrodescendant and Black women directors in Seine-Saint-Denis. Ẅ XOOL aspires to recognize the work of cis and trans Black directors who have made great sacrifices to leave their mark.

Zora Neale Hurston, a forgotten poet? In 1973, Alice Walker (20th-century poet, teacher, novelist, author of The Color Purple) set out to find the unknown grave of Hurston (1891-1960) in the Garden of Heavenly Rest cemetery, with the aim of shedding light on her life. Once located, she had an epitaph engraved, the first line of which whispered "Some genius of the South". Indeed, Zora Neale Hurston was the first black female anthropologist and the most widely read poet of her time. She remains one of the leading figures of the Harlem Renaissance cultural movement. All her writings celebrated African-American oral traditions and Caribbean culture. A tireless writer, she was a major contributor to the manifesto magazine Feu! Pour une esthétique afro-américaine libre. In 1926, she published her play Color Struck, which won second prize in Opportunity magazine’s literary competition. When Zora Neale Hurston received her award, she appeared in the ceremonial hall draped in a variegated shawl and double-armed, exclaiming "Color Struck!". Therefore, on the back of the gloves, one can read "Écrivante" as author Joëlle Sambi described Hurston in an aural session for the podcast Les Parleuses in 2022. Nestled in the inner palms is the murmur of her epitaph, mingled with the feline emblem of the magazine Feu! These reading gloves pay tribute to this talented figure, representing her aura, elegance, striking colors and Black pride.

Florence Cheval (she/they) practices writing-with, curating-with and research-with. For several years, she has been developing a practice of "support-in-writing" aimed at combining poetic writing and accessibility in the field of visual arts. Since the Intersections of Care research project conducted with Loraine Furter in 2019-2021, she has developed a taste for the practice of audiodescription: this is where she is training and experimenting today. Alongside this, she is very busy caring for two young people, aged 8 and 13. @practicesoftrying

For * Whispering pages & interrogation hearts *, Florence Cheval will be observing and describing the space, artifacts, publications, people, exchanges and reflections deployed over the course of the day. She will transcribe the thread of events in order to weave an accessible living archive of the situated research developed by Loraine Furter, navigating between the translation of things into texts, texts into languages, spoken words into writings.

Garine Gokceyan, is a Brussels-based independent graphic designer and researcher born in Beirut. Her multidisciplinary projects and research revolve around identities, languages, design politics, archives and collective ressource creation that embraces multicultural and multiscriptual approaches. She received a Master’s degree in Graphic and Visual Communication from l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, Brussels in 2017 and a Teaching Diploma in Fine Arts, in 2018. She is currently a PhD student in Sint Lucas Antwerpen and the University of Antwerp (ARIA) working on a research project entitled “Exploring the Diasporic Life of Armenian Script: a multiscript design laboratory.

Joud Toamah is a Syrian, currently based in Belgium, graphic designer and artist researcher. She is currently undergoing an artistic research at Sint Lucas Antwerp titled ‘Courtyard of Memory’ in which she explores generational water cultural traditions. She is drawn to practices of remembrance. Family albums, their processes of collecting, circulation and dissemination, are often the source of various forms of reflection, feeling and telling stories. She does this through critical fabulations and activation with ancestral knowledge, poetry and traditional Islamic protection practices.

Marie Damageux is a French-Beninese graphic designer who explores her cultural heritage through her work. Questioning the role of transmission in her quest for identity, she embraces an introspective and intuitive artistic approach. Her sensitive practice encourages various forms of conversations imbued with diasporic experiences through the production of graphic objects. She also co-founded the creative studio WIP Office alongside with Julie Bassinot. Working in the cultural field, they develop editorial and identity projects.

Sufra of diasporic stories. Diasporic memories and publishing with artists and graphic designers Joud Toamah, Garine Gokceyan & Marie Damageux.
A moment of sharing experiences around diasporic memories & publishing/making things public, the frictions between the intimate & the public, what can be shared and how to do it, with whom and in which conditions. We will host conversations around what diaspora as a term evokes in us and mark our thoughts and feelings collectively.Sufra d’histoires diasporiques.

Juliana Vargas Zapata (1997, Cali, Colombia) is a designer / artist based in Germany. Her practice is focused in Latin American popular design, pop culture, internet culture and experimental publishing. Collecting images and creating her own archives is crucial for her work. She also makes objects and experiments with their scale and how these can interact with public spaces.

“Can you make a little space for me, please?” is a big book inspired by the term “puncturing” and the decolonizing (or puncturing, or de-westernizing and SHIFTING) design reader, 2021-2023, both conceived and initiated by Ramón Tejada.
This book has content that is not completely defined or printed; instead, it is contextual. It can change depending on where the book is located and who are the people accessing it. The content is presented in audio form and is selected based on one of the materials from the decolonizing design reader.
The book is 1.60 by 90 cm, as big as Juliana vertically. The punched holes are 70 cm apart from each other, the same distance as between her arms. Its title comes from the Spanish phrase “me puedes hacer un huequito, porfa?” where one asks to make a small hole. This can mean asking for a place to fit in physically or seeking inclusion and participation in a social happening.
The font used is DINdong, by Clara Sambot, which is a mischievous, subversive take on the DIN fette Breitschrift by Peter Wiegel and the Soennecken writing system.

Lara Dautun loves DIY. She tinkers with text, images, letters, code, theories and ideas. And since DIY is always more fun with several hands, she often works with others. On her own or with other tinkerers, she asks herself how alternative practices in design, publishing and archiving can serve emancipatory potentials. In recent years, she has been tinkering mainly with publications - digital and paper - and spending a lot of time in archives and libraries, trying to enrich and share the still too fragmentary histories of feminist and lesbian publishing.

Parentheses: punctuation marks that always work in pairs to take step aside, take us elsewhere, digress, nuance, detour, clarify, quote, augment, put into perspective, change tone (and much more besides). Between the opening parenthesis and the closing parenthesis is a new space in the text. It’s often (wrongly) considered secondary, when it’s perhaps in this discontinuous, disruptive, different space that the most interesting things happen. So we thought, maybe it could stand out a bit more, maybe it could have different shades and nuances, maybe we could imagine parentheses that say something about what’s inside. Angry brackets, loving brackets, dreamy brackets, admiring brackets, revolting brackets, referential brackets, lyrical brackets, poetic brackets, laughing brackets (and all the others yet to be imagined :)).

Leo Ren O’faigain cooks transitioning recipes end writes stubborn texts, to be digested together.

Roxanne Maillet, angry and hungry dyke making fierce and messy designs.

Feast of aligned/unaligned stars, asterisks and dyke recipes.

Researcher and artist, Lissa Choukrane comes from an artistic background combining illustration, graphic design and writing. Her work combines a theoretical side with a more personal writing practice. Following her research into the history of bookbinders and La Cambre’s bookbinding workshop, she is pursuing the project of telling the intersecting stories of womxn and the book trades through the prism of gender.

Arpentage Abécédaire d’auto-édition féministe
The workshop proposes a survey around the book Abécédaire d’auto-édition féministe*. Originating in working-class circles, arpentage is a collective reading method that facilitates access to a theoretical text. After dividing up the book, each reader reads part of the text. The group then gets together and tells each other what they’ve read.

Mélanie Cao has inherited a hybrid language, the fruit of Vietnamese transmitted on soundtrack, mixed with the lungs of her native Belgian town, Liège. Growing up with her father’s stories of Vietnam at war, she discovered a dual culture that challenged and questioned her (il)legitimacies from an early age. Based in Brussels, she is interested in minority voices, in particular Asian feminism, from a feminist, anti-racist and decolonial angle, through various forms of writing and sound creations with the Asiofeminism Now! project.

Mio Kojima (she/her) is a German-Japanese designer, researcher, and educator focused on collaborative, intersectional feminist, and decolonial approaches to creating and sharing knowledge. From teaching to publishing and curating, she understands her work as a space-making practice that centers criticality, community, and exchange. Along with Maya Ober, Mio is co-director of the intersectional feminist platform Futuress, where they together curate public learning programs, facilitate fellowships, and accompany their authors in developing texts, among other work behind the scenes such as securing finances to keep the ship afloat. Next to Futuress, Mio teaches in schools and universities in different formats, addressing sociopolitical issues within educational spaces and design’s potential as a practice of dreaming and empowerment.

A kaleidoscopic personality and lesbian activist, Joëlle Sambi is a permanent geyser. From her brain and soul, she spits out words that shake, move, shock, strip and question. She works them out with her fingertips and tongue, sharing them in the form of books, slam shows, films, workshops - in short, poetry in any case. A rising artistic icon on the Belgian scene, she has been an associate artist at the Théâtre National Wallonie-Bruxelles since 2023. She has just published her second book of poetry "Et vos corps seront caillasses" published by L’Arche. She is currently directing and performing her latest theatrical creation, "Maison Chaos", on view from April 3 to 13 at the Théâtre National de Belgique, as well as "Caillasses Live", a hybrid form mixing slam and electronic music with artist Sara Machine. "Caillasses Live", built around her eponymous book (Prix Scam 2021), is a poetic, electric and sapphic recital, set to music by Sara Machine. A political femmage that sometimes grinds teeth, vibrates bodies too, and certainly warms hearts.

Joëlle Sambi, Mio Kojima et Mélanie Cao partageront, chuchoteront et scanderont des expériences et outils autour de comment composer avec différentes voix.

Nina Paim is a Brazilian designer, curator, editor, and publisher, based in Porto, Portugal. She has co-curated numerous exhibitions, workshops, and events, including Escola Aberta (Rio de Janeiro, 2012), Beyond Change (Basel, 2018), Department of Non-Binaries (Sharjah, 2018), Feminist Findings (Berlin, 2020), and most recently, etceteras: a feminist festival of publishing and design (Porto, 2023). She co-edited "Taking a Line for a Walk" (Spector Books, 2016) and "Design Struggles" (Valiz, 2021). A three-time recipient of the Swiss Design Awards, Nina has imparted her knowledge through international teaching and lectures, while her written works have been published by Occasional Papers (UK/BE), Les presses du réel (FR), esad-idea (PT), aveditionsl (DE), and the Korea Society of Typography (KR). In 2019, she co-founded the feminist platform, which she co-directed until 2023, when she established Bikini Books, an independent feminist publisher for design based in Porto, Portugal.

A Box of Book Memories
From a quirky family emblem to a puzzling book theft, a trove of urban narratives to a library of unwritten stories, from the everyday artistry of editing to the hustle of publishing—these are threads that have woven my journey into the world of books. To publish, in essence, is to make public. But in the world of books, it’s a tapestry of tasks, none of which, on their own, quite capture the essence of publishing. From reader to writer, editor to designer, distributor to bookseller, and beyond—a publisher is a network of connections. In this talk, I’ll share personal stories alongside a broader narrative of women in the book trade. Picking from a box and flipping through a scrapbook of memories, I’ll delve into chance encounters, meaningful collaborations, and the sometimes challenging threads of collective effort.

Nino André + Vinciane Mandrin is a duo of performers and authors. Nino André, erg graduate, lives in Brussels. Vinciane Mandrin, a graduate of Ensba Lyon, lives in Aubervilliers. The duo works mostly remotely between France and Belgium, and co-create exhibitions, texts, performances and pedagogical forms. The body is both the subject and medium of their work. They are interested in the practice of bodily narrative and self-fiction as a political strategy in the face of regimes of capture and fetishization of the queer, trans or racialized body, in parallel and in resonance with research into the plastic writing of desire and queer sexualities. Their recent research focuses on rituals of adornment and body preparation, as well as on the objects and narratives that surround these rituals, in a reflection on violence, self-staging and self-defense practices. The duo also works on critical pedagogies and the displacement of artistic practices to the margins of traditional contemporary art spaces, in educational or activist contexts.

Backstage is a collective performance proposal in the form of a writing, discussion, make-up and prop-making workshop. Here, it is the shared ritual of preparing the body that becomes the performance, and gives rise to the creation of a tableau vivant. The different steps of the workshop (warm-up, creation of a subjective palette, make-up impressions on fabric, etc.) are described in a card game that can be expanded by the participants’ suggestions as the workshop progresses. The workshop is open to all, and requires no prior knowledge of make-up.

Sarah Magnan (she/her) is a graphic designer and researcher. She is part of the asbl Open Source Publishing which questions the influence and affordances of digital tools through the practice of graphic design, pedagogy and applied research. The collective exclusively uses free and open source software (F/LOSS) and build tools which allow collective practices and hybrid publishing. She co-founded the feminist irl and url asbl Just For The Record, collective which was focusing on sharing knowledge, cyberfeminism and online representativity bias. She participated in the Futurology of Cooperation research project in where she still endlessly draws resources and experiments for future or alternative practices and collective scenarios.

Collective meditation and SF futurology exercise, opening up a a dreamed alternative space-time for publishing practices ⸰⸰⸰ ⋱

Sarah Saleh is a Designer, Artist and DJ from Lebanon currently based in Amsterdam. She completed her Master’s at the Disarming Design department at the Sandberg Instituut in Amsterdam, known for its focus on design practices that address conditions of conflict, oppressive forces, and entangled histories. Saleh’s participation in this program indicates her engagement with critical and creative practices that aim to respond to complex socio-political issues through design and artistic expression. Drawing from her experiences of living in different places and navigating in-between spaces, Sarah focuses on scattered identities in her practice. Using recorded sounds, collaged images and zine-making, she aims to capture and express these experiences in her current reality. Sound and images become a way for her to create a sense of home, virtually moving from one place to another. She identifies familiar sounds in each place, recording ‘Sonic Memories’ that bridge these in-between spaces. Additionally, Sarah engages in storytelling and chapters in her work, witnessing and juxtaposing cultural displacement by repositioning archives.

Archival Resistance Sampling as a Political practice (Sound performance)
Can field recordings, revolutionary tracks, and powerful speeches describe the landscape of oppressed people and reflect the sounds of society’s power? How can the act of recording and collecting and sampling sounds be used as a tool to reclaim narratives of injustice for promoting solidarity within marginalized and oppressed communities? Since the Lebanese revolution of 2019, Sarah’s journey as an artist has involved an ongoing endeavor to collect and record videos and sounds that articulate the nuanced shifts in her life from the revolutionary to post-revolutionary periods. Navigating the complexities between chaos and order, blurriness and sharpness, her sonic and visual documentation encapsulates a transformative journey. It spans from the Lebanese revolution to the impactful Beirut blast, culminating in my relocation to Amsterdam in 2020. By weaving together field recordings, she creates a living tapestry of collective memory, breaking free from the constraints of traditional music and resonating with historical importance and present-day urgency. In her performance ‘Archival Resistance’ Sarah will be using sounds from ‘here’, ‘there’ and everything ‘in-between as a political tool for place-making by sampling, overlapping, ordering, transitioning, assembling and reassembling pieces of the past and present. This process, aimed at gaining a better understanding of the ‘now,’ involves utilizing existing sounds sourced from social media, open-source platforms, and zoom recorders. Employing these gathered materials, she will engage in the creative act of juxtaposing parallel histories. The outcome will manifest as multi-layered sounds, weaving together disparate elements to construct intricate and parallel narratives from the past (Beirut) and present (Brussels) translating the in-betweenness of chaos and simplicity of life in these cities.

Tiphanie Hotin is a graphic designer and multidisciplinary artist based in Brussels. She is specifically interested in editorial design, exploring supports, volumes and different printing techniques. She identifies herself as an eco-feminist and emphasizes her commitment in her creations. Always ready to develop enriching projects, she is currently working with a peace movement association in Brussels and developing a collective of multidisciplinary artists producing on committed themes. Her artistic practice revolves around numerous techniques such as painting, ceramics, silkscreening and illustration, but she is currently developing her tufting and crochet technique.

Tiphanie made translucid posters for the light boxes in the silver space at Beursschouwburg.

Des pages qui soupirent et des cœurs d’interrogation 🔮
Plus à propos des invité·es et de leurs contributions

Clara Pacotte est née en 1992, vit et travaille entre Paris et la Bretagne. Elle est autrice, vidéaste et chercheuse. Son travail d’écriture se penche sur les questions d’archives et de marginalité par le biais de la science-fiction. Ainsi qu’elle a développé plusieurs univers de fictions interconnectées et prennent aussi la forme de jeux, de films, de performances vidéo et lectures (MNRWX, La Parking étage 63, Vnouje, Les Aventures de Maboule). Ces fictions ont été présentées entre autres au CAC Brétigny, Lafayette Anticipations, FRAC Île-de-France, Mécènes du Sud. Avec son collectif EAAPES, au sein de The Cheapest University, elle explore depuis 2017 les questions féministes dans la littérature de science-fiction par la traduction et la publication de corpus de recherches. En 2024, une partie de son travail est publié par Cambourakis dans le livre L’exoplanète féministe de Joanna Russ. Elle développe aussi avec la revue Des Glaneuses une recherche autour des la place des femmes dans l’agriculture et la ruralité (glanage, nourriture, communautés) avec Lou-Maria Le Brusq. Entre archives, fiction et recherche rhizomique, Clara parle du futur, des lesbiennes, et de la mémoire.

Sherida Kuffour (Rotterdam, 1992) est directrice artistique, graphiste et écrivaine basée à Zurich. Elle dirige le journal spéculatif Brave New Lit, une plateforme numérique qui publie des essais et des entretiens sur la relation entre les paratextes littéraires et les genres de la science-fiction, de l’horreur et de la dystopie. Le projet a reçu le prix Vormgeving et Talentontwikkeling du Stimuleringsfonds et a été nominée pour les Swiss Design awards en 2022. À l’été 2024, Brave New Lit. publiera son premier livre de science-fiction : Fantastic and Imaginative Romances. Sherida est titulaire d’une maîtrise en conception de stratégies visuelles de l’Institut Sandberg et d’une licence (avec mention) en conception graphique de l’Université de Ravensbourne.

groupe de lecture de passages de science fiction émancipatrice avec l’artiste et autrice de SF Clara Pacotte & la graphiste et fondatrice du projet Brave New Lit. Sherida Kuffour

Estelle Ndjop Pom est née à Paris en 1995 de parents originaires du Cameroun et de Guyane. Elle est graphiste indépendante et exerce à Montreuil. Europe-Caraïbes-Afrique-Europe, ce parcours de part et d’autre de l’Atlantique est une trajectoire qui l’incombe et qui la libère. Grâce aux réseaux, à Internet et au Black Twitter, elle articule plus facilement les questions de race, de genre et de classe. Du jour au lendemain, elle se tourne résolument vers les luttes d’émancipation, se gorge des contenus des afroféministes françaises puis découvre plus largement l’histoire des luttes antiracistes et féministes qui l’ont accompagnée pendant sa formation au graphisme. De l’identité visuelle à l’édition, elle collabore désormais avec des organisations privées, des associations culturelles et des personnes dissidentes. En parallèle de ses commandes, elle papillonne de groupes en groupes car l’organisation collective lui donne envie. Depuis 2022, elle fait le graphisme et co-organise le festival Ẅ XOOL [wou] [rol] qui programme les courts-métrages de réalisatrices afrodescendantes et Noires en Seine-Saint-Denis. Ẅ XOOL aspire à reconnaître le travail de réals cis et trans Noires ayant assumé de grands sacrifices pour laisser des traces de leur passage.

Zora Neale Hurston, une poétesse tombée dans l’oubli ? En 1973, Alice Walker (poétesse du XXe siècle, enseignante, romancière, autrice de La Couleur pourpre) partit à la recherche de la tombe inconnue d’Hurston (1891-1960) dans le cimetière Garden of Heavenly Rest dans le but de mettre en lumière sa vie. Une fois localisée, elle y fit graver une épitaphe dont la première ligne murmure « Some genius of the South » : une génie du Sud. En effet, Zora Neale Hurston fut la première femme Noire anthropologue et la poétesse la plus lue de son époque. Elle demeure l’une des figures capitales du mouvement culturel de la Renaissance de Harlem. Tous ses écrits célébrèrent les traditions orales afro-américaines et la culture caribéenne. Autrice infatigable, elle fut une des contributions majeures de la revue manifeste Feu !! Pour une esthétique afro-américaine libre. En 1926, elle y publia le texte de sa pièce de théâtre Color Struck récompensé du deuxième prix du concours littéraire du magazine Opportunity. Quand Zora Neale Hurston eu reçu sa récompense, elle apparait dans la salle de cérémonie drapée d’un châle bariolé et double bras tendus en s’exclamant “Color Struck !”. Ainsi, sur le dos des gants, vous lirez « Écrivante » telle que l’autrice Joëlle Sambi décrivis Hurston dans une séance auditive pour le podcast Les Parleuses en 2022. Dans les paumes intérieures, se niche le murmure de son épitaphe mêlé au félin emblème de la revue Feu !!. Ces gants de lecture rendent donc hommage à cette figure de talent dans la volonté de représenter son aura, son élégance, des couleurs qui claquent et sa fierté Noire.

Florence Cheval (elle/iels) pratique l’écriture-avec, le curating-avec, la recherche-avec. Depuis quelques années, elle développe une pratique de "soutien-en-écriture" visant à conjuguer écriture poétique et accessibilité dans le champ des arts visuels. Depuis le projet de recherche Intersections of Care mené avec Loraine Furter en 2019-2021, elle a pris goût à la pratique de l’audiodescription : c’est à cet endroit qu’elle se forme et expérimente aujourd’hui. A côté de cela, elle est très occupée à soigner deux jeunes personnes de 8 et 13 ans. @practicesoftrying

Pour * Des pages qui soupirent et des cœurs d’interrogation *, Florence Cheval sera observatrice et descriptrice de l’espace, des artefacts, des publications, des, des échanges, des réflexions déployé.es au cours de cette journée. Elle écrira le fil des événements dans le but de tisser une archive vivante et accessible de la recherche située développée par Loraine Furter, navigant entre traduction des choses en textes, des textes en langues, des paroles en écrits.

Garine Gokceyan, née à Beyrouth, est une graphiste et chercheuse indépendante basée à Bruxelles. Ses projets et recherches multidisciplinaires tournent autour des identités, des langues, de la politique du design, des archives et de la création de ressources collectives qui englobent des approches multiculturelles et multiscriptuelles. Elle a obtenu un master en communication graphique et visuelle à l’École nationale supérieure des arts visuels de La Cambre, à Bruxelles, en 2017, et un diplôme d’enseignement en arts plastiques en 2018. Elle est actuellement doctorante à Sint Lucas Antwerpen et à l’Université d’Anvers (ARIA) et travaille sur un projet de recherche intitulé "Exploring the Diasporic Life of Armenian Script : a multiscript design laboratory" (Explorer la vie diasporique de l’écriture arménienne : un laboratoire de conception multiscript).

Joud Toamah est une Syrienne actuellement basée en Belgique, graphiste et artiste chercheuse. Elle mène actuellement une recherche artistique à Sint Lucas Antwerp intitulée "Courtyard of Memory" (cour de la mémoire) dans laquelle elle explore les traditions culturelles générationnelles liées à l’eau. Elle est attirée par les pratiques mémorielles. Les albums de famille, leurs processus de collecte, de circulation et de diffusion sont souvent la source de diverses formes de réflexion, de sentiments et de récits. Elle déploie tout ceci à travers des fabulations critiques, l’activation des connaissances ancestrales, de la poésie et des pratiques traditionnelles islamiques de protection.

Marie Damageux est une graphiste franco-béninoise qui explore son héritage culturel à travers son travail. Interrogeant le rôle de la transmission dans sa quête identitaire, elle adopte une démarche artistique introspective et intuitive. Sa pratique sensible encourage diverses formes de conversations imprégnées d’expériences diasporiques à travers la production d’objets graphiques. Elle a également cofondé le studio de création WIP Office avec Julie Bassinot. Travaillant dans le domaine culturel, elles développent des projets éditoriaux et liés aux questions d’identité.

Sufra of diasporic stories. Mémoires diasporiques et édition avec les artistes et graphistes Joud Toamah, Garine Gokceyan et Marie Damageux.
Un moment de partage d’expériences autour des mémoires diasporiques et des pratiques de publication/rendre les choses publiques, des frictions entre l’intime et le public, de ce qui peut être partagé et des manières de le faire, avec qui et à quelles conditions. Nous animerons des conversations sur ce que le terme diaspora évoque en nous et marquerons nos pensées et nos sentiments collectivement.

Juliana Vargas Zapata (1997, Cali, Colombie) est une graphiste/artiste basée en Allemagne. Sa pratique se concentre sur le design populaire latino-américain, la culture pop, la culture Internet et l’édition expérimentale. La collecte d’images et la création de ses propres archives sont cruciales pour son travail. Elle fabrique également des objets et expérimente leur échelle et la manière dont ils peuvent interagir avec les espaces publics.

“Can you make a little space for me, please” (pouvez-vous me faire un peu d’espace s’il vous plaît) est un grand livre inspiré par le terme “puncturing” et le lecteur de design décolonisant (ou puncturing, ou de-westernizing et SHIFTING), 2021-2023, tous deux conçus et initiés par Ramón Tejada.
Le contenu de ce livre n’est pas complètement défini ou imprimé ; il est plutôt contextuel. Il peut changer en fonction de l’endroit où se trouve le livre et des personnes qui y accèdent. Le contenu est présenté sous forme audio et est sélectionné sur la base de l’un des documents du livre de lecture sur la décolonisation du design.
Le livre mesure 1,60 cm sur 90 cm, c’est-à-dire qu’il est aussi grand que Juliana à la verticale. Les trous perforés sont espacés de 70 cm les uns des autres, soit la même distance qu’entre ses bras. Son titre vient de la phrase espagnole “me puedes hacer un huequito, porfa ?”, où l’on demande de faire un petit trou. Cela peut signifier demander un endroit où s’intégrer physiquement ou rechercher l’inclusion et la participation à un événement social.
La police utilisée est DINdong, de Clara Sambot, une interprétation espiègle et subversive de la DIN fette Breitschrift de Peter Wiegel et du système d’écriture Soennecken.

Lara Dautun aime le bricolage. Elle bricole avec du texte, des images, des lettres, du code, des théories et des idées. Et comme le bricolage c’est toujours plus joyeux à plusieurs mains, elle bricole souvent avec d’autres. Seule ou avec les autres bricoleureuses, elle se demande comment des pratiques alternatives du design, de l’édition et de l’archivage peuvent servir des potentiels émancipateurs. Ces dernières années, elle a surtout bricolé des publications — digitales et papiers — et a passé beaucoup de temps dans les archives et les bibliothèques, tentant d’enrichir et de partager les histoires encore trop fragmentaires des éditions féministes et lesbiennes.

Parenthèses : signes de ponctuation qui travaillent toujours par paire pour faire un pas de côté, amener ailleurs, digresser, nuancer, faire des détours, préciser, citer, augmenter, mettre en perspective, changer de ton (et bien d’autres choses encore). Entre la parenthèse ouvrante et la parenthèse fermante se crée un nouvel espace dans le texte. On le considère souvent (à tort) comme secondaire, alors que c’est peut-être dans cet espace discontinu, disruptif, différent, qu’il se passe les choses les plus intéressantes. Alors, on s’est dit, peut-être qu’il pourrait se faire un peu plus remarquer, peut-être qu’il pourrait avoir différentes teintes et nuances cet espace, peut-être qu’on pourrait imaginer des parenthèses qui disent quelque chose de ce qu’elles contiennent. Des parenthèses en colère, des parenthèses amoureuses, rêveuses, admiratives, révoltées, référentielles, lyriques, poétiques, rieuses (et toutes celles qui sont encore à imaginer :)).

Leo Ren O’faigain cuisine des recettes en transition et écrit des textes têtus, à digérer ensemble.

Roxanne Maillet, gouine vénère qui a faim, fait des designs en bordel féroce.

Buffet d’étoiles alignées/non-alignées, des astérisques et des recettes de gouines.

Chercheuse et artiste, Lissa Choukrane est issue d’un parcours artistique mêlant illustration, graphisme et écriture. Son travail allie un pan théorique et une pratique de l’écriture plus personnelle. Suite à sa recherche sur l’histoire des relieuses et l’atelier de reliure de La Cambre, elle poursuit le chantier de raconter les histoires croisées des femmxs et des métiers du livre par le prisme de genre.

Arpentage Abécédaire d’auto-édition féministe
L’atelier propose un arpentage autour du livre Abécédaire d’auto-édition féministe*. Issue du milieu ouvrier, l’arpentage est une méthode de lecture collective qui permet de faciliter l’accès un texte théorique. Après division du livre, chaque lecteur•ice lit une partie du texte. Dans un second temps, le groupe se retrouve et se raconte ce qu’iel a lu.

Dans le cadre de ce moment, l’idée est d’amener les participant·es à échanger sur leurs expériences éditoriales, tant au niveau de la fabrication de l’objet que de la création / traduction / rediffusion de contenus. Enfin, le groupe cherchera une manière d’enregistrer des traces de ce moment, afin que ces archives sonores rejoignent le mix de Sarah Saleh en fin de journée.

* Paru en mars dernier aux éditions Trouble, il est écrit par Apolline et Clémentine Labrosse, les éditrices troubléiennes. Trouble est né•e suite au projet de revue féministe et artistique Censored et édite cette dernière.

Mélanie Cao hérite d’une langue hybride, fruit du vietnamien transmis en bande son, mêlé aux longueurs de sa ville belge natale, Liège. Elle grandit au fil des récits paternels d’un Vietnam en guerre, et se découvre une double culture qui la bouscule et l’interroge très tôt, à l’endroit de ses (il)légitimités. Basée à Bruxelles, elle s’intéresse aux voix minoritaires et en particulier asioféministes sous un angle féministe, antiraciste et décolonial à travers diverses formes d’écritures et créations sonores avec le projet Asiofeminism Now !

Mio Kojima (elle) est une conceptrice, chercheuse et éducatrice germano-japonaise qui se concentre sur les approches collaboratives, féministes intersectionnelles et décoloniales de la création et du partage des connaissances. De l’enseignement à la publication et à la conservation, elle conçoit son travail comme une pratique de création d’espace qui met l’accent sur la critique, la communauté et l’échange. Avec Maya Ober, Mio est co-directrice de la plateforme féministe intersectionnelle Futuress, où elles organisent ensemble des programmes d’apprentissage public, facilitent des bourses et accompagnent leurs auteurs dans le développement de textes, parmi d’autres travaux en coulisses tels que la recherche de financements pour maintenir le navire à flot. Parallèlement à Futuress, Mio enseigne dans des écoles et des universités sous différentes formes, abordant les questions sociopolitiques dans les espaces éducatifs et le potentiel du design en tant que pratique de rêve et d’empowerment.

Personnalité kaléïdoscopique, militante lesbienne, Joëlle Sambi est un geyser permanent. Elle fait jaillir de son cerveau et de son âme des mots qui bousculent, émeuvent, détonnent, décapent et interrogent. Elle les travaille du bout des doigts et de la langue pour les partager sous forme de livres, de spectacles de slams, de films, d’ateliers, bref, de poésie en tout cas. Icône artistique montante de la scène belge, elle est depuis 2023 artiste associée au Théâtre National Wallonie-Bruxelles. Elle vient de sortir son 2e recueil de poésie « Et vos corps seront caillasses » aux éditions de L’Arche. Elle a mis en scène et joue en ce moment sa dernière création théâtrale « Maison Chaos » visible du 3 au 13 avril au Théâtre National de Belgique ainsi que « Caillasses Live », une forme hybride qui mélange slam et musique électronique ave l’artiste Sara Machine. “Caillasses Live”, construit autour de son livre éponyme (prix Scam 2021), est un récital poétique, électrique et saphique, mis en musique par Sara Machine. Un femmage politique qui fait grincer les dents parfois, vibrer les corps aussi, et réchauffe les cœurs assurément.

Joëlle Sambi, Mio Kojima et Mélanie Cao partageront, chuchoteront, et scanderont des expériences et outils autour de comment composer avec différentes voix.

Nina Paim est une designer, commissaire d’exposition, rédactrice et éditrice brésilienne, basée à Porto, au Portugal. Elle a été co-commissaire de nombreuses expositions, ateliers et événements, notamment Escola Aberta (Rio de Janeiro, 2012), Beyond Change (Bâle, 2018), Department of Non-Binaries (Sharjah, 2018), Feminist Findings (Berlin, 2020) et, plus récemment, etceteras : festival féministe d’édition et de design (Porto, 2023). Elle a coédité "Taking a Line for a Walk" (Spector Books, 2016) et "Design Struggles" (Valiz, 2021). Trois fois lauréate du Swiss Design Awards, Nina a transmis ses connaissances par le biais d’enseignements et de conférences internationales, tandis que ses écrits ont été publiés par Occasional Papers (UK/BE), Les presses du réel (FR), esad-idea (PT), aveditionsl (DE) et la Korea Society of Typography (KR). En 2019, elle cofonde la plateforme féministe, qu’elle codirige jusqu’en 2023, date à laquelle elle crée Bikini Books, une maison d’édition féministe indépendante pour le design basée à Porto, au Portugal.

Une boîte à souvenirs de livres
D’un emblème familial excentrique à un vol de livre déroutant, d’un trésor de récits urbains à une bibliothèque d’histoires non écrites, de l’art quotidien de l’édition à l’effervescence de la publication, tels sont les fils qui ont tissé mon voyage dans le monde des livres. Publier, par essence, c’est rendre public. Mais dans le monde du livre, il s’agit d’une tapisserie de tâches, dont aucune, à elle seule, ne capture l’essence de l’édition. Du lecteur à l’écrivain, de l’éditeur au concepteur, du distributeur au libraire, et au-delà, l’éditeur est un réseau de connexions. Dans cette conférence, je partagerai des histoires personnelles avec un récit plus large sur les femmes dans le secteur du livre. En piochant dans une boîte et en feuilletant un album de souvenirs, j’évoquerai les rencontres fortuites, les collaborations significatives et les fils parfois difficiles de l’effort collectif.

Nino André + Vinciane Mandrin est un duo d’artistes performeur·euses et auteur·ices. Nino André, diplômé de l’erg, vit à Bruxelles. Vinciane Mandrin, diplômée de l’Ensba Lyon, vit à Aubervilliers. Le duo travaille le plus souvent à distance entre la France et la Belgique, et co-crée des expositions, des textes, des performances et des formes pédagogiques. Le corps est à la fois le sujet et le support de leur travail. Iels s’intéressent à la pratique du récit corporel et de l’auto-fiction comme stratégie politique face aux régimes de captation et de fétichisation du corps queer, trans ou racisé, en parallèle et en résonnance avec une recherche sur les écritures plastiques du désir et des sexualités queer. Leur recherche récente porte sur les rituels d’ornement, de préparation du corps ainsi que sur les objets et les récits qui entourent ces rituels, dans une réflexion autour de la violence, de la mise en scène de soi et des pratiques d’auto-défense. Le duo travaille également sur les pédagogies critiques et les déplacements de pratiques artistiques aux marges des espaces traditionnels de l’art contemporain, dans des contextes pédagogiques ou militants.

Backstage est une proposition de performance collective sous la forme d’un atelier d’écriture, de discussions, de maquillage et de fabrication d’accessoires. Ici, c’est le rituel partagé de préparation du corps qui devient la performance, et donne lieu à la création d’un tableau vivant. Les étapes du workshop (échauffement, création d’une palette subjective, prise d’empreinte du maquillage sur un tissu ...) sont décrites dans un jeu de cartes augmentable par les suggestions des participant•es au fil des ateliers. L’atelier est ouvert à toustes, et ne nécessite aucune connaissance préalable en maquillage.

Sarah Magnan (elle) est graphiste et chercheuse. Elle fait partie de l’asbl Open Source Publishing qui questionne l’influence et les possibilités des outils numériques à travers la pratique du design graphique, de la pédagogie et de la recherche appliquée. Le collectif utilise exclusivement des logiciels libres et open source (F/LOSS) et construit des outils qui permettent des pratiques collectives et des publications hybrides. Elle a cofondé le collectif féministe irl et url asbl Just For The Record, qui se concentrait sur le partage des connaissances, le cyberféminisme et les biais de représentativité en ligne. Elle a participé au projet de recherche Futurologie de la coopération dans lequel elle puise toujours des ressources et des expériences pour des pratiques et des scénarios collectifs futurs ou alternatifs.

Méditation guidée & exercice de futurologie SF, ouvrant des espaces-temps rêvés pour des pratiques d’édition alternatives ⸰⸰⸰ ⋱

Sarah Saleh est une designer, artiste et DJ libanaise actuellement basée à Amsterdam. Elle a terminé son master au département Disarming Design du Sandberg Instituut d’Amsterdam, connu pour son intérêt pour les pratiques de conception qui abordent les situations de conflit, les forces oppressives et les histoires enchevêtrées. La participation de Saleh à ce programme témoigne de son engagement dans des pratiques critiques et créatives qui visent à répondre à des questions sociopolitiques complexes par le biais du design et de l’expression artistique. S’inspirant de son expérience de vie dans différents lieux et de sa navigation dans des espaces intermédiaires, Sarah se concentre sur les identités dispersées dans sa pratique. En utilisant des sons enregistrés, des images collées et la création de zines, elle cherche à capturer et à exprimer ces expériences dans sa réalité actuelle. Les sons et les images deviennent pour elle un moyen de créer un sentiment d’appartenance, en se déplaçant virtuellement d’un endroit à l’autre. Elle identifie des sons familiers dans chaque lieu, enregistrant des "souvenirs sonores" qui font le lien entre ces espaces intermédiaires. En outre, Sarah s’engage dans la narration et les chapitres de son travail, témoignant et juxtaposant le déplacement culturel en repositionnant les archives.

Archival Resistance Le sampling comme pratique politique (Performance sonore) Les enregistrements de terrain, les chants révolutionnaires et les discours percutants peuvent-ils décrire le paysage des personnes opprimées et refléter les sons du pouvoir dans la société ? Comment l’acte d’enregistrer, de collecter et d’échantillonner des sons peut-il être utilisé comme un outil pour se réapproprier les récits d’injustice afin de promouvoir la solidarité au sein des communautés marginalisées et opprimées ? Depuis la révolution libanaise de 2019, le parcours de Sarah en tant qu’artiste a impliqué un effort continu de collecte et d’enregistrement de vidéos et de sons qui articulent les changements nuancés dans sa vie entre la période révolutionnaire et la période post-révolutionnaire. Naviguant dans les complexités entre le chaos et l’ordre, le flou et la netteté, sa documentation sonore et visuelle incarne un voyage transformateur. Elle s’étend de la révolution libanaise à l’explosion de Beyrouth, et culmine avec son déménagement à Amsterdam en 2020. En tissant des enregistrements de terrain, elle crée une tapisserie vivante de la mémoire collective, s’affranchissant des contraintes de la musique traditionnelle et résonnant avec l’importance historique et l’urgence du présent. Dans sa performance "Archival Resistance", Sarah utilisera des sons "d’ici", "d’ailleurs" et de tout ce qui se trouve entre les deux comme outil politique pour créer des lieux en échantillonnant, en superposant, en ordonnant, en faisant des transitions, en assemblant et en réassemblant des morceaux du passé et du présent.

Tiphanie Hotin est une designer graphique et artiste multidisciplinaire basée à Bruxelles. Elle s’intéresse spécifiquement au design éditorial, elle explore les supports, les volumes et les différentes techniques d’impression. Elle s’identifie comme écoféministe et met en avant son engagement dans ses créations. Toujours prête à développer des projets enrichissants, elle travaille actuellement dans une association du mouvement de la paix à Bruxelles et développe un collectif d’artistes multidisciplinaires produisant sur des thématiques engagées. Sa pratique artistique s’articule autour de nombreuses techniques telles que la peinture, la céramique, la sérigraphie ou encore l’illustration, mais elle développe pour le moment sa technique du tufting et du crochet.

Tiphanie a réalisé des posters translucides pour les boîtes lumineuses présentes dans la silver space au Beursschouwburg.